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Indie Folk  /

Hay algo suave, nostálgico y lleno de belleza en la música de Søren Juul. En el trabajo que os traigo hoy, publicado el pasado mes de Junio, bajo el título de "This Moment", encontraréis esos sentimientos en cada uno de los temas, pero también podréis apreciar los exquisitos arreglos y la elegancia a la hora de componer de este danés que ha recorrido medio mundo con su música. 

La propuesta es una elegante colección de canciones llenas de esa especie de belleza nórdica que parece mezclar un folk algo contemplativo con la electrónica más introvertida y reflexiva. Si buscáis información de él encontraréis inmediatamente la referencia de Bon Iver. Efectivamente esa referencia es inevitable, pero en este trabajo Juul se muestra sereno y maduro en la presentación de esa belleza musical; como si realmente hubiese encontrado su senda y explotase definitivamente mostrando todo su talento y su calidad. 

Pues entre ese indie folk con ambientes electrónicos y composiciones de melodías tranquilas, atractivas y llenas de ensoñación, Søren Juul nos regala este momento musical extraordinario. "This Moment" es uno de esos discos que ganan en cada escucha, apreciando los detalles, disfrutando la excelencia... temas como Soulseeker, Greenpoint, Dear Child o el que da título al disco es buena muestra de lo que os digo... buen, buen disco... 




Dear Child



Que lo disfrutéis...









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Pop Rock Alternativo  /

En aquel espectacular debut que fue "For Emma, Forever Ago" del 2008, Bon Iver, Justin Vernon, nos presentaban una vuelta de tuerca al indie folk de la época, con un aire tranquilo, pacífico y, en ocasiones, rural e, incluso bucólico. Aquel disco era una auténtica maravilla. Y esa línea continuó en su segundo trabajo, publicado en el 2011 y de título homónimo.

Así que era muy esperado este tercer trabajo de estudio, publicado a finales del septiembre pasado bajo el sello Jagjaguwar, del que ya os he hablado en más de una ocasión y del que soy totalmente fiel, no en vano en mMusic ya se ha publicado trabajos de este sello como los de Black MountainSharon Van Etten, Angel OlsenUnknown Mortal Orchestra, Volcano Choir, Foxygen y, por supuesto, Bon Iver, que os traigo hoy, otra vez. Perdonad que insista en lo de este sello, pero es que su calidad es absolutamente brutal...

Volviendo al disco que nos ocupa, os hablaba al principio de la línea marcada en sus dos primeros trabajos. Un indie folk renovado, de bosque húmedo, de melodías tranquilas de sitio aislado, de naturaleza cercana y casi íntima. Pues bien este último trabajo, publicado bajo el título "22, A Million" sigue siendo esa propuesta de texturas tranquilas y pacíficas, casi melancólicas. Pero en esta ocasión no estamos ante una desnudez folk sino más bien ante una austera experimentación musical cercana al futuro o la vanguardia. Reinventando su propio sonido, el artista americano no parece conformarse con una zona cómoda de confort y se atreve a indagar más allá de su propio sonido, sumergiéndose en sintetizadores y texturas musicales futuristas, novedosas, sin perder un ápice de aquella sensibilidad melancólica de sus dos primeros discos, como si eso fuese su sello personal, intrínseco, y ahora lo quisiera vestir de una forma más contemporánea.

Tras Bon Iver se esconde Justin Vernon. Un artista que sorprende y nos regala una propuesta musical excelente, de nuevas texturas, atrevidas y modernas. "22, A Million" es su nueva propuesta. Y, evidentemente, no es nada conformista. Incluso en los títulos de los temas. Incluso en la presentación física del disco, que es espectacular... Un disco valiente.





8 (circle)



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Instrumental  /  Minimalismo  /  Ambient  /

A mediados del pasado mes de marzo, el sello Dronarivm Records tuvo a bien ponerse en contacto con mMusic para presentar una de sus últimas publicaciones "Branches" de Cyril Secq y Orla Wren. Un trabajo que hoy os traigo aquí.

Dronarivm es un pequeño sello independiente ubicado en Moscú, centrado en la músicas clásica contemporánea, el minimalismo y la música ambiente moderna. En ese ámbito cuadra perfectamente el trabajo que os traigo hoy. Un proyecto elaborado durante mucho tiempo que surge de la colaboración de Orla Wren y Cyril Secq. Éste último colaboró en los discos anteriores del primero, así que era cuestión de tiempo colaborar en un disco en común. Cyril aportó los trabajos previos que él había compuesto y nunca habían salido a la luz, Orla Wren cogió esas bases y, ambos, realizaron esta maravilla que lleva por título "Branches".

A pesar de que cada uno estaba en paises diferentes -Escocia y Francia- el resultado es un minimalismo musical que va desde unas cuerdas acústicas de guitarra hasta arreglos electrónicos o grabaciones campestres. Todo para conseguir algo que nos deja cierta sensación orgánica, de música viva pero latente, como de existencia escondida, tranquila y diferente... y, a pesar de esa colaboración a distancia en el tiempo y en el espacio, las composiciones parecen compuestas y grabadas en el mismo lugar y en el mismo momento de su creación.

La edición y diseño del disco son espectaculares y merecen mención especial. Impresionante el bellísimo trabajo de Nieves Mingueza que consigue que logremos tener en nuestras manos una auténtica obra de arte musical, visual y física. El cd se presenta en dos ediciones. Una de ellas, en una caja forrada con seis fotografías envueltas y una rama; una edición limitada a cien copias que nos presenta "ramas" con una elegancia llena de belleza y sensibilidad. Espectacular.

Agradezco a Dronarivm que me haya acercado esta auténtica obra de arte en todos los sentidos. La mejor de las suertes para todo en lo que se aventuren. Porque si sus apuestas son como este "Branches" de Orla Wren y Cyril Secq, estaremos encantados de seguirlos en todo lo que propongan... Impresionante...




Première Branche



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Cantautora  /  Neo Soul  /

Låpsley es uno de esos nuevos talentos surgidos en los últimos tiempos, de esos que reciben halagos y buenas criticas casi por unanimidad en todos los medios especializados. Y hay unos cuantos ultimamente... pero en el caso de Holly Fletcher -Låpsley- todos las piropos, todos los halagos y todas las buenas críticas son mucho más que justificadas. Porque el debut de esta británica, "Long Way Home" es una de esas maravillas musicales que se dan muy de vez en cuando... y esta muchacha aún no ha cumplido los veinte años... 

La producción es impoluta, no en vano Låpsley ha sabido rodearse para esta tarea de alguien como Rodaidh McDonald que ha trabajado con the xx, entre otros... y quizá esa limpieza sea lo mejor y lo peor del disco. Las composiciones son impecables, los temas, francamente buenos, pero hay algo de perfección buscada para llegar al éxito. E, insisto, eso es bueno y malo a la vez. Pero en la balanza puede más la calidad y la excelencia que todo lo demás. 

Habrá que perdonarle a la británica que el resultado final se parezca mucho a músicas en boga, pero su voz, sus letras, sus composiciones y el conjunto en general hace que estemos, realmente, ante un muy buen disco con elementos de neo soul electrónico que en ocasiones la acercan a una especie de Adele en su forma de interpretar los temas, en un disco íntimo en el que hay auténticos temazos que merecen estar entre lo mejor del año. "Long Way Home" es uno de esos discos que estará en la primera línea mediática por merecimientos propios, con lo que eso tiene también de bueno y malo, pero Låpsley es una artista de ésas llenas de talento y arte. Lo demuestra con este discazo. Y todos los piropos que le hagan están más que merecidos... 




Falling Short



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Rock Psicodélico  /  Indie Pop Rock  /

El primer trabajo de The Bright Light Social Hour, de título homónimo, publicado en el 2010, me dejó un muy buen gusto y con ganas de saber por donde caminaría esta banda. El disco lo descubrí muy tarde, pero me dejó muy buena impresión. En ese disco la banda de Texas jugaba varias bazas y en todas lo hacía con acierto. Aquellos nueve temas tenían muchos ingredientes que se iban encontrando a cada escucha, que sorprendían y siempre parecían acertados. Incluso en estilos diferentes. 

En su segundo trabajo, de título "Space Is Still The Place" y publicado este mismo año, la banda recoge su identidad, se pliega a ella y desarrolla un sonido que comienza a ser más propio y auténtico sin dejar de se heterogéneo. El resultado es un fantástico despliegue de rock psicodélico con tintes de blues rock arenoso, tejano y que sirve como base a elementos de otros estilos, incluso algunos más bailables y electrónicos, veáse "Dreamlove" como ejemplo claro de esto último que os digo. Es valiente colocar un tema así en un disco como este. Sí, como os decía, en la base de un rock psicodélico cabe desde un indie rock potente hasta un electro-pop bailable. Y, curiosamente, en ningún caso, se pierde el hilo del disco. Y mucho menos la calidad. 

The Bright Light Social Hour con su "Space Is Still The Place" nos hace aterrizar en un paisaje espacial de arenas movedizas. Puede ser divertido si entráis en su juego musical, si os dejáis atrapar por su música y por su indudable calidad en un disco diferente que sabe unir perfectamente sonidos clásico con electrónica actual sin perder su base principal. 




Sweet Madelene



Infinite Cities



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Trip Hop  /  Electrónica  /

Saul Freeman ha participado en múltiples proyectos. Todos interesantes hasta llegar al disco que publicó en este 2014 bajo el título "Wait: Speak". Proyectos nada desdeñables como Mandalay, que publicó en el 2001 "Empathy", un trabajo que llegó a enamorar a la misma Madonna hasta el punto de querer incluir temas de ese trabajo en una de sus películas.

Y la verdad es que la propuesta de Freeman es mucho más que interesante. Como él mismo reconoce, un paso adelante en su primer disco en solitario, donde los instrumentos se enfrentan e interactúan con ordenadores en paisajes musicales con texturas atrevidas y emocionantes. Catorce temas que saben combinar a la perfección piezas instrumentales salpicadas de elementos electrónicos con pianos, violines y guitarras, llenos de melodías nocturnas y atractivas.

Saul Freeman gustó a Madonna. Y se atrevió a dar el salto más allá del éxito de Mandalay. Y ahora nos regala una de esas maravillas musicales que hay que disfrutar sí o sí. Su "Wait: Speak" es uno de esos discos que no pueden pasar inadvertidos. Porque el talento no debe pasar inadvertido...





I Watched A Church



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Pop Experimental / Vanguardia /

Julia Holter sale a disco por año. En el 2011 con "Tragedy", continuando con un espectacular "Ekstasis" en el 2012 y culminando este agosto del 2013 con su tercer trabajo "Loud City Song".

En esta espectacular trilogía la californiana se mueve en los terrenos en los que sabe tan bien hacerlo. Música etérea y algo experimental en los campos de la electrónica, con bases de cantautora pop. El resultado es francamente delicioso...

Quizá este tercer largo sea el más complejo, desplegando todos sus vastos conocimientos musicales, ampliando la instrumentación y con una producción mucho más profesional y elaborada. En este disco hay arreglos de viento y cuerda que parecen apuntar en ocasiones a una especie de nu-jazz, quedando lejos ya aquellos experimentos caseros como "Eating the Stars" (2007) o "Cookbook" (2008) grabados en su dormitorio y en sus propios cds... o, incluso, los anteriores discos, grabados igualmente en su intimidad... aqui hay algo de apertura, de airear el ambiente y contagiarse algo del bullicio exterior...

El disco, según palabras de la propia Julia, está inspirado en la novela y el musical "Gigi" y es una demostración de sabiduría musical, de erudición compositiva con mucha belleza teñida de algo siniestro que recorre todo el disco logrando piezas espectaculares, extraordinarias que consiguen reflejar la vulnerabilidad y la hermosura de la cotidianeidad vista con los ojos de uno mismo, desde la intimidad de lo personal mirando a la aglomeración de un mundo ya saturado.

"Loud City Song" es un disco sorprendente, cautivador y adictivo desde un pop experimental ejecutado magistralmente. Julia Holter nos emociona, nos conquista y nos hace reflexionar... pero, sobre todo, nos deja como legado un disco lleno de belleza musical irrepetible...




In the Green Wild



Maxim's II



Hello Stranger



World



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Pop Electrónico /

Desde Francia Phoenix nos traen el que ya es su quinto disco. Cuatro años después de aquel fantástico "Wolfgang Amadeus Phoenix" regresan con "Bankrupt!" en el que encontraréis diez temas llenos de centelleante pop electrónico, synth pop bailable y algo de espumeante psicodelia moderna.

El álbum tiene una duración de unos cuarenta minutos, pero el grupo ha decidido sacar una edición deluxe en la que se incluirán 71 "demos y bocetos". Y es que, aprovechando el gran éxito de su anterior trabajo, en esta ocasión los franceses han cuidado hasta el mínimo detalle la promoción, publicidad y marketing del disco.

Con una producción elaboradísima y muy, muy trabajada, "Bankrupt! se mueve en unos campos mucho más extraños que su predecesor. Habrá quien los pueda calificar de erróneos, pero, en cualquier caso, son campos más atrevidos, diferentes cuando, quizá, lo fácil después del éxito es intentar repetir ese mismo camino, esas mismas fórmulas...

No llegará al nivel de inspiración y calidad de "Wolfgang Amadeus Phoenix", pero este trabajo tiene la suficiente valía como para defenderse por sí mismo. "Entertainment", el tema con el que se abre el disco, "Burgueois" o "Chloroform" nos muestran claramente y sin tapujos de lo que va este disco. Hay algo de horror vacui en todos los temas, que se llenan de texturas cambiantes, salpicadas aquí y allí y mezclándose unas con otras. Temas complejos, llenos de aderezos y adornos musicales y vocales que dejan un gusto suave y agradable. Un gusto dramático, teatral, por los sonidos espectaculares...

El nuevo disco no es "Wolfgang Amadeus...". "Bankrupt!" es el último trabajo de Phoenix. En la mano de cada uno está sorprenderse y que guste o no. A mí, sí me ha gustado...




Entertainment




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Pop Sinfónico /

Woodkid es el nombre musical bajo el que se esconde el polifacético francés Yoann Lemoine, fotógrafo, compositor, director de vídeos musicales, escritor... que publicó el pasado 18 de marzo su esperado disco debut "The Golden Age".

Y su propuesta musical también parece, en cierta medida, polifacética... un pop sinfónico, con arreglos orquestales y una voz atrayente que recuerda en ocasiones a David Fonseca y en otras a Antony and The Johnsons, todo en un ambiente épico y cinematográfico, mezclando su formación clásica de piano, con elementos electrónicos, sinfónicos y una percusión con aires monumentales y magníficos.

El disco deja una sensación descomunal de folk-rock con hechuras medievales, ideal para una banda sonora de una película o serie en plan Juego de Tronos o El Señor de los Anillos. Una épica que contagia, emociona pero que en ningún caso parece forzada o artificial; y ése es el gran acierto de este disco. Su percusión grandiosa provoca sentimientos encontrados, excitación y estímulo en una especie de odisea musical que balancea de un lado a otro, siempre manteniendo cierto tono heroico en un debut -no olvidemos este punto- francamente sorprendente y agradable, diferente a lo habitual hoy en día.

Una extraordinaria instrumentación cuidada hasta los detalles que van más allá de lo musical. En "The Golden Age" se mima cada uno de los aspectos musicales y ese celo se traslada hasta el entorno audiovisual que lo acompaña, en una producción excelente, en fondo y forma, buscando siempre una especie de melancólico heroísmo, épico y glorioso que nos habla conceptualmente de la transformación del ser humano... y no voy a entrar a comentaros la espectacularidad de sus vídeos musicales porque podéis verlos más abajo vosotros mismos...

Percusiones evocadoras de paisajes fantásticos, coros vocales y secciones de cuerda y viento, campanas mitológicas... en un proyecto perfectamente diseñado para enganchar, emocionar y hacernos sentirnos héroes de la épica historia en la que nos invita a entrar Woodkid  con su "The Golden Age"... dejaos invadir...


Run Boy Run




Iron




I Love You




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El año hay que empezarlo con clase. Y a estas alturas ya habréis oido hablar de Bat For Lashes, que en el 2012 que nos acaba de dejar, publicó un disco excepcional bajo el título de "The Haunted Man".

Detrás de ese nombre artístico se encuentra la londinense y polifacética Natasha Khan, que ya tiene en su haber tres discazos, cada uno con más éxito que el anterior...

En el 2006 ya sorprendió con un trabajo de debut extraordinario, "Fur and Gold", que tuvo muy buena repercusión en la crítica musical, lo que provocó que la espera de la publiicación de su segundo trabajo se siguiera con gran interés y expectación; ese segundo trabajo fue "Two Suns". Hemos hablado aquí, muchas veces de lo que significa para un músico su segundo disco. Es la confirmación del gran artista o la desilusión por la expectación levantada de un gran debut.

Pues en el caso de Bat For Lashes, no sólo fue la confirmación. El segundo disco, publicado en el 2009, superó con creces todas las expectativas. Un disco conceptual en torno a la figura de un personaje inventado, alter ego de la artista. Un trabajo extraordinario con letras crípticas y una música que se movía entre Björk y una P.J. Harvey bajo los efectos de alguna alucinación...

Y tres años después, en el 2012, publica este "The Haunted Man", menos enigmático que el anterior, menos onírico, pero más real, más verdadero, más terrenal. Toda la hermosa imaginería de "Two Suns" deja paso a un álbum más íntimo, más impactante por su bocanada de aire directo de la artista al que escucha. Si el disco anterior era un compendio lleno de belleza y preciosismo abigarrado, aquí Natasha se muestra más desnuda, más sincera, pero igualmente bella. Como en su impresionante portada.

Aquí encontramos más importancia en la voz, que en este caso, también se muestra más real, sin arreglos excesivos ni profundas transformaciones, en unas composiciones que, sin dejar de ser complejas, se muestran más inspiradas que nunca, más cercanas, más asequibles, como si la artista hubiese acertado con la tecla de acercarnos a su peculiar mundo interior, a su universo propio, logrando que nos sintamos muy a gusto en él.

Y a pesar de todo lo mencionado, no es un disco simple. Infinitos detalles, espectaculares arreglos complejos y letras trascendentes componen uno obra que muestra el equilibrio y la madurez de una artista que ha sabido encontrar su lugar y colocar en él todas sus imágenes.

Bat For Lashes nos regaló uno de los mejores discos del 2012 y nos enganchó a su música. Por mucho tiempo...




Laura




All Your Gold




Que lo disfrutéis...
Que tengáis un 2013 lleno de paz y felicidad...
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Pues sí... este grupo me tiene un poco confundido. Me lo recomendó un amigo a quien quiero mucho y cuyo criterio musical siempre es de fiar...

Pero con Freelance Whales, el último grupo que me recomendó, el entusiasmo va por días. Lo escucho en el coche, en el trabajo, en mi casa... y en ocasiones pienso que son muy buenos y que debo traerlos a mMusic y justo a la mañana siguiente ya no es así...

Ante la duda, he pensado que lo mejor es someterlos a vuestro inteligente criterio...

Por contaros algo del grupo deciros que son neoyorkinos, en concreto de Queens, y que tienen a sus espaldas dos discos: "Weathervanes" del año 2009 y "Diluvia" publicado en Octubre de este mismo año.

En su música encontraréis algo de una especie de pop barroco y electrónico, con algo de Sufjan Stevens (lógicamente, salvando las distancias) y mucho sintetizador, sobre todo en su primer álbum.

Es un pop de ambiente atmosférico, algo electrónico, con melodías llenas de cierta belleza que, quizá, se diluyen un poco en todo lo musicalmente accesorio que se añade a su alrededor. Si uno logra aislarse de lo periférico, descubre composiciones hermosas y canciones con ritmos atractivos.

La sensación final es buena, agradable, quizá falta de coherencia, pero con un regusto agradable en el oído tras la escucha, en lo que es esa sensación agridulce de reconocer la buena base y no entender del todo los accesorios. Quizá es exceso de talento demasiado condensado, demasiado concentrado, demasiado amontonado. De hecho, cuando logran relajarse, sacan su mejor tema "Spitting Image", a pesar de la instrumentación masiva.

Pero no se puede negar la valentía de un grupo que se arriesga en un nuevo camino y eso siempre tiene un valor añadido de fuerza y originalidad. Freelance Whales es un grupo recomendado y digno de recomendar. Su "Diluvia" tendréis que juzgarlo vosotros mismos...





Spitting Image




Locked Out




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Los compositores, así en mayúsculas, son una rara avis, capaces de trasladarnos a su música desde lo más profundo de nuestros sentimientos. Y de los suyos.

Algo así debió pensar Valgeir Sigurâsson cuando compuso su último trabajo "Architecture of Loss". Y más, cuando era un encargo para ser la música que acompañase a un ballet de la compañía de Stephen Petronio.

El productor (estuvo al lado de Bjork en los principios de la artista y también produjo a Feist y a Magic Numbers) y compositor islandés manipula el sonido con herramientas digitales creando formas musicales sutiles y texturas profundas que rozan el límite de la música.

Estamos ante una obra magnífica, monumental, arte abstracto, casi minimalista en sus formas, en su concepción, pero con unas melodías exquisitas, una producción casi perfecta y un resultado espectacular.

Diez temas que comienzan con las espectaculares "Guard Down" y "The Crumbling", con cuerdas y pianos que parecen provenir o transportarno a mundos lejanos y profundos. Los títulos de los temas, y del propio trabajo, no deja lugar a dudas de los sentimientos ante los que estamos... "Erased Duet" (en mi opinión el mejor tema del álbum), "World Without Ground", "Reverse Erased"...

Pero esta sensación casi fatalista nos deja una hermosísima cadena de sonidos secuenciales, que se mueven en esa disputa constante entre el sonido manipulado y las melodías puras. Los violines, la viola dominan la escena (excelente el trabajo de Nadia Sirota), pero con esfuerzo, como si en toda la obra existiese una tensión contenida por el propio Valgeir.

Un surrealismo meticuloso, comedido, huidizo que nace de la composición más cerebral para alcanzar de lleno ese lado sentimental del corazón que siempre es incontrolable. Y más aún en la música.

Valgeir Sigurasson nos enseña su arquitectura, y lo hace a su estilo y con su propio arte... Disfrutemos...

 
Erased Duet




The Crumbling




World Without Ground




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Pues ya lo tenemos aquí... el nuevo y esperado trabajo de The XX: "Coexist", que hoy mismo sale a la luz, después de que el grupo nos dejara oirlo unos días antes desde su propia web.

Siempre es complicado sacar el segundo disco, y más si es después del exitazo de un primero repleto de buenas críticas y premios musicales.

En este caso los muchachos británicos lo hacen perfecto. No se complican; continúan la línea que ellos mismos se marcaron en su primer disco, pero evolucionando en los detalles, con algo más de electrónica y una producción exquisita, en la que se nota la experiencia adquirida en los últimos tiempos de Jamie Smith.

Este segundo disco busca mejorar lo anterior sin romper la fórmula que tan bien conocen, que les ha dado su propia identidad. Esa especie de minimalismo, apenas adornado con un pop diluido en melodías casi oníricas y rincones llenos de ensoñación. Sonidos atmosféricos, melancólicos, sumergidos en una oscuridad estudiada, íntima y llena de una belleza peculiar e inconfundible.

Las guitarras apenas esbozan las finísimas líneas de las melodías y los susurros son conmovedores en todos los temas. "Angels" es una canción llena de una belleza inusual, "Reunion" tiene un punto oscuramente tropical, "Tides" nos lleva a lo más alto en el juego de voces... todos las canciones tienen su propia personalidad y todas siguen un mismo concepto en un universo que The XX han creado y en el que les gusta jugar y balancearse...

En "Coexist" vamos a encontrar todos los ingredientes del disco anterior, todo ello aderezado con pizcas de electrónica. Siguen explotando los recursos que tan bien conocen: juegos vocales chico-chica que interpretan a la perfección Romy Madley Croft y Oliver Sim; letras que hablan de amor, relaciones y algo de sexo; estudiadas pausas que se convierten en silencios que, más que dejar el vacío, rellenan las melodías con una sensación musical de opresión, de algo contenido a punto de arrancar... y todo con ese carisma nocturno especial que el grupo ha sabido insuflar en sus composiciones. Ellos hacen algo diferente, lo saben, lo explotan y, por ahora, llevan un camino perfecto.

The XX se consolidan con este trabajo, con su sonido identificativo, pero mejoran en producción, en elegancia. No necesitan reinventarse ni intentar ser originales. Lo son, con su propia música y su atractiva personalidad. Un muy buen disco de un muy buen grupo...



Chained




Angels




Que lo disfruteis...


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Hay veces que a uno no le queda más remedio que reconocer sus errores y bajar la cabeza. La pesadilla más veces repetida para los melómanos debería ser alguien riéndose de uno mismo por no haber escuchado ese disco que abandonaste en un cajón, que compraste en un mercadillo y no diste valor, el vinilo que quedó oculto bajo una glamorosa montaña de cds, el sonido que descartaste en una primera escucha porque otros cantos de sirena te llevaron a islas más lejanas… y que resultó ser genial…
Y quizá el destino, los viejos fantasmas que te empujan a hacer según qué cosas, o esa maldita manía de ordenar una y otra vez tu música, hacen que te reencuentres con uno de esos trabajos abandonados en la caja imaginaria del “yaloescucharé”.
Pues bien. Eso ha sido para mí “The Rapture”. Pido perdón con este post por mi ignorancia...
En septiembre del año pasado publicaron “In The Grace of Your Love” un disco exquisito, que viene precedido de una carrera a la que yo dejé de lado en su día por escuchar otras cosas y que he descubierto ahora… delicioso el “Mirror” de ¡¡1999!! Y el "Echoes" de 2003.
Hablamos de una música que –a priori- no entra dentro de mis cánones, por eso la pospongo perdiéndome auténticas maravillas… es música de baile y algo más… es algo alegre y oscuro a la vez, es un grupo de músicos de estos de toda la vida haciendo algo que parece fácil, dance y melodía en una música que a la segunda escucha te hace, cuando menos, mover la cabeza y mejorar tu karma. Música bailable, sí, de calidad, también, pop dance, dance punk, post-lo que os dé la gana, pero esta gente es buena y ¿dónde estaba yo que los tenía aquí y no los conocía? ¡¡ Demonios ¡!

Por cierto… estarán en el próximo Primavera Sound al que no podre ir… ¡¡otra vez demonios!!


In the Grace of Your Love


Miss You



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Si una melodía te martillea la cabeza día tras día es inútil intentar huir de ella. Si, además, esa melodía viene de una voz sueca, dificilmente podré renunciar a hablar de ella aquí. Ya conoceis mi debilidad por todo lo sueco...
Pero aquí hay algo diferente.
La música sueca peca de homogeneidad. A los adeptos como yo nos gusta así. Pero los críticos siempre le echan en cara esa "tabla rasa" en todo lo musicalmente sueco. Reivindican autores "diferentes" al ya clásico pop elegante y ordenado, con arreglos bien construidos. Todo bien premeditado y exquisitamente ejecutado.
Y la artista de hoy es de la que rompe las normas, se salta las reglas, esquiva lo establecido y labra su propio camino. Son de esas artistas que, o te gustan mucho, o te parecen una castaña...
Y yo soy de los primeros. Hablo de Lykke Li, sueca, por supuesto, y a punto de cumplir los 26 añicos, con dos discos ya a sus espaldas. Su pop es sueco, pero no el sueco elegante sin más, que también, sino un pop que se mueve entre la calidad que se le presupone y unas melodías bailables, un pop de autor(a) en su segundo disco -Wounded Rhymes (2011)- contrapuesto al pop más fresco y adolescente de su primer trabajo -Youth Novels (2008)-. El resultado es algo medianamente original, que se pega en la cabeza y engancha, que tiene cierta personalidad y huye de estereotipos usándolos en cada melodía y estrofa.
En definitiva, un trabajo que seguiremos de cerca y al que hay que acercarse sin prejuicios ni ideas premoldeadas... sólo el tiempo nos dirá si vence la excentricidad artística o el talento musical. Por ahora vence la música y ganamos todos...


Dance Dance Dance




I Follow Rivers




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Mientras el mundo parece haber caido en un sueño eterno, a nuestro Twitter siguen llegando interesantísimas propuestas...

Hoy os traigo una de esas propuesta y una intuición, en realidad. Ya sabeis que nos encanta "descubrir" nuevos talentos. Pero no es normal que en este blog subamos un grupo que sólo tiene en su haber tres canciones en un EP... no hay nada más de ellos aún... y además nos alejamos un poco de nuestro estilo habitual y nos adentramos en el terreno del Ambient...
Efectivamente, eso es lo que nos encontramos en "We Have Sound Houses Also", el EP que ellos mismos regalan en su myspace y que es, hasta la fecha, su primer y único trabajo, logicamente... pero nos arriesgamos con ellos, porque estos tres únicos temas son tres espectaculares obras de arte... quizá sea muy poco para juzgarlos definitivamente, pero amigos... qué tres temazos..
Se llaman Rumour Cubes, son londinenses y me han sorprendido con tres instrumentales (sobre todo la melancólica "At the Sea") llenos de violines eléctricos, de subidas y bajadas en las melodías, de un ambiente realmente cautivador....
Yo ya estoy deseando escuchar algo más, porque tres canciones es muy, muy poco para la calidad que nos prometen... estoy seguro que en siguientes entregas no nos defraudarán...


Rain on Titan




The Universiy is a Factory




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Casey Dienel es talento inquieto. A los cuatro años comenzó a tocar el piano y a los catorce ya componía sus propios temas. En el año 2006, con 21 añitos publica su album debut “Wind-Up Canary”, con una historia ciertamente curiosa. La muchacha tenía sus canciones en la cabeza así que convence a unos amigos del conservatorio para grabarlas. Pide prestado un piano, se refugia en una casa abandonada y graba sus temas de forma totalmente casera para gusto propio. Pero el destino es caprichoso y aquella grabación llega al jefe de una casa discográfica que escucha aquellas maquetas caseras y percibe el talento de aquella joven. Así que la llama, graba de nuevo las canciones, esta vez con la calidad de una producción profesional y publica el disco mencionado. “Wind-Up Canary” es un disco fresco, con toques de jazz inocente, algo Naif y con la personalísima voz de Casey, de ésas que odias o amas.
Pero Casey dejó de ser Casey a partir de su segundo disco para llamarse White Hinderland y convertirse en dúo con Shawn Creeden, evolucionando en su estilo, añadiendo componentes elctrónicos pero sin abandonar los ingredientes jazz. Bajo este nombre se publican dos discos y un EP. En el 2008 "Phylactery Factory" y el EP "Luniculaire". El año pasado sale a la luz "Kairos", el último trabajo hasta la fecha de este talento travieso e inocente.


All Or Nothing (“Wind-Up Canary”)




Amsterdam




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Este dúo sueco (según pone en su mySpace son de Stenungsund y Gothenburg) hace una música que se mueve entre el pop oscuro y el electrónico. Hace un par de meses sacaron su disco "The Star in the Lake" en el que reconocen influencias que van desde Radiohead hasta Depeche Mode. Y la verdad es que esa afirmación puede definir su música espacial, un poco pop y un poco tecno.
Ya en el 2007 fueron una grata sorpresa con " The Ghost You Left Behind" y ahora confirman su talento y su buen hacer en un trabajo lleno de calidad y muy buenos temas.
Os subo unos vídeos de ellos


Giving in to Anger (inquietante...)




A ride at Night




Empty city lights (temazo del anterior disco que los catapultó en el 2007)




Que lo disfruteis...
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No sé mucho de ellos, salvo que son un trío de Irlanda del Norte y que tienen un par de EPs muy interesantes, con canciones electropop de ritmos pegadizos y que enganchan con facilidad. Lo demás son conjeturas, como el hecho de que no tengan batería y usen el ordenador para ese sonido.
En febrero de este año que está a punto de llegar, sacarán su album de debut, del cual os subo el que -parece ser- será su primer single "I Can Talk", que a mí, particularmente, me gusta mucho.
Estaremos pendientes de su mySpace para recoger más información.


I Can Talk




Undercover Martyn




New Houses




Que lo disfruteis...
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No sé como ha llegado a mis manos, pero agradezco a lo que quiera que sea, que haya hecho llegar a mí el segundo disco de Sebastien Schuller, “Evenfall”.
Publicado el 25 de Mayo… ¿en qué estaba yo pensando para tardar tanto en tener este disco?
El impacto en la primera escucha es brutal… después se convierte en un disco imprescindible, en algo que no puedes dejar de oir una y otra vez.
Es un trabajo lleno de melancolía, de esa tristeza que cuando acaba el disco te hace querer más. Sebastien se mueve entre el piano simple y su espectacular voz y lo alterna todo con un punto electrónico dando como resultado un coctel tan espectacular como sorprendente. Algo simple, casi artesano, pero moderno, novedoso...
Buscando cosas de él, descubro que este multi-instrumentista parisino de formación clásica, que empezó como percusionista, sacó un primer disco en el 2005, llamado “Happiness”. Curioso e irónico nombre para un músico intimista con cierto toque depresivo, moviéndose entre algo clásico y algo que va entre Radiohead y Sigur Ros, pero siempre entre algo que se intuye grande, muy grande.
Por favor, no perderos este disco…

Su mySpace y su web, como siempre y el disco en Spotify, para que lo tengais fácil...


The Border




Open Organ




Que lo disfruteis…
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... mi yo oscuro y nórdico definitivamente está de vacaciones... en París... Armelle Pioline pone su fantástica voz (¿qué tendrán las francesas?) en este proyecto llamado "Holden" que comparte con Dominique Dèpre.
Esta banda-dúo parisina publicó el año pasado "La Machine" que es un disco recopilatorio de sus trabajos anteriores; a saber: "Chevrotine" (un disco aclamado por la crítica); "L'Arrière-Monde " y "Pedrolira".
"La Machine" es una auténtica joya lleno de temas impresionantes como "Madrid" una especie de... ¿bossa nova? sobre los atentados de Madrid, y "Ce que je suis", la auténtica canción fetiche de este grupo.
Como curiosidad mocolandiana deciros que el disco lleva un bonus track llamado "The Boy With The Thorn In His Side"... sin comentarios...

Hace un mes salió a la venta su último trabajo "Fantomatisme", pero aún no ha llegado a mis manos, así que no tengo crítica para ese trabajo... ya os iré contando...

Mientras tanto y para los que no conozcan este grupo aquí os traigo esta maravilla de vídeo y de canción


Ce que je suis




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Siempre interesante y siempre experimental. Casi todo lo que hace y ha hecho me gusta.
La traigo al blog con la excusa de que la impresionante artista -para mí ella se merece más que muchos llevar ese calificativo- saca a la calle un nuevo single titulado "Náttúra". Nattura es una asociación para proteger y debatir acerca del medio ambiente y entorno de Islandia. Bjork ha sido muy crítica con el gobierno de su país argumentando que -para paliar la crisis que les afecta- está vendiendo todos sus recursos naturales a multinacionales y empresas especulativas extranjeras.
Pues bien, comprometida como ella sola, Bjork ha colaborado con la asociación y ha compuesto una canción con ese mismo título para apoyar de forma activa a esta asociación. De hecho, todas las ganancias de este single irán a parar a las arcas de Nattura.
En cuanto a lo musical, que es lo que más nos interesa, en el single participan Thom Yorke en las voces corales y Matthew Herbert, entre otros.

Náttúra - Bjork




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... más sugerencias... esta canción tiene algo que me produce unas sensaciones raras, a veces Bjork, a veces yo qué sé... a punto de cumplir los treinta años esta parisina hija de escritor grabó su primer disco - Le sac des filles - siendo estudiante... de hecho, como curiosidad, ese disco fue lo que presentó como trabajo fin de carrera... y se licenció en letras... eso fue en el año 2000 y después de muchas colaboraciones interesantes, en el 2005 saca su disco "Le Fil"... de este trabajo se pueden poner canciones muy interesantes pero saco esta canción que -no sé por qué- me pone los pelos de gallina...




Que lo disfruteis...
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